Razón Nº 2 por la que “El Rock’n’Roll está muerto”: Concepción errónea del término. ¿Qué es Rock’N’Roll?

Esta va a ser una larga exposición así que tomen asiento, pongan de fondo una lista de reproducción con sus canciones preferidas y no pierdan detalle. Aquí mostraré mi opinión propia, sin eufemismos ni edulcorantes. Todas las opiniones serán respetadas y discutidas de forma respetuosa en caso de tengáis algo que decir, así que no seáis tímidos.Rock and Roll

Conceptos Técnicos

Navegando por Internet en busca del significado de Rock’n’Roll sólo encontré vagas definiciones un tanto imprecisas, análisis respecto a las música de los 50, ensayos acerca de cómo la tecnología había acabado con dicho género… y otra serie de incongruencias sin sentido alguno. Veamos todo esto por partes, con todos sus pros y contras, sin prisa pero sin pausa.

Empecemos distinguiendo Rock y Rock’n’Roll:

Rock and rollrock n’ roll es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, (Doo Wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley, su guitarrista más influyente Chuck Berry y sus bandas más influyentes, Eddie Cochran, Little Richard o Bill Haley and The Comets entre otros.” – http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_and_roll

“El rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que normalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y piano.

El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk. Todas estas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues «que era rápida, bailable y pegadiza».” – http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_rock 

Supongo que hasta aquí todo está claro. Por ejemplo, a The Clash podríamos definirlo como Rock pero no como Rock’n’Roll debido a que es una banda perteneciente al movimiento punk rock, el cual a su vez ha derivado del susodicho R’n’R.

Es por todo esto por lo que si nos ceñimos a la tecnicidad del término solo podríamos denominar Rock’n’Roll a toda aquella música originaria de los años 50 o a aquella que intenta emularla imitando su estilo. Sin embargo, ¿por qué existen muchos grupos tanto pasados como contemporáneos a los que se les quiere denominar como propios del “Rock’n’Roll”?

La explicación es simple y complicada al mismo tiempo. La parte simple; en este caso no tomamos el término puramente técnico sino que hablamos del Espíritu del Rock’n’Roll, lo cual es algo bastante diferente. La parte compleja; ¿cómo podemos distinguir el Espíritu del Rock’n’Roll de aquello que no lo es?

El Espíritu del Rock’n’Roll

Para poder definir esto debemos ir a las propias raíces de la música moderna. Años 50, Bill Haley and His Comets surgen con su “Rock Around the Clock” a los cuales le siguen Chuck Berry, Elvis Presley, Buddy Holly, Little Richard y un largo etcétera. También hay quien habla de “That’s all right Mama” de Elvis Presley como la primera canción de Rock’n’Roll. El inicio es incierto pero lo que si es seguro es que su música supone una gran revolución musical, y en este cambio los jovenes son los que portan los estandartes, las nuevas ideas, los nuevos símbolos, la nueva actitud… Quieren comerse el mundo y por una vez éste está dispuesto a escucharlos.

Sin embargo no todo es tan bueno como parece, desde un principio dicha revolución desvaría hacía conceptos ajenos a la primera concepción. El carácter pasional de las nuevas generaciones transforma el Rock’n’Roll en un mundo de experiencias nuevas, sexo, drogas, irresponsabilidad y desenfreno que poco a poco irá cogiendo fuerza hasta puntos insospechados. Con la acuñación del termino “Sexo, drogas y Rock’n’Roll” observamos claramente dicho descarrilamiento del movimiento. ¿Acaso son las drogas parte del Rock’n’Roll? ¿Acaso el sexo es parte del Rock’n’Roll? ¿Acaso son necesarios los excesos pasionales para experimentar el verdadero Espíritu del Rock’n’Roll? Todas estas desambiguaciones son las que dieron mala fama al Rock’n’Roll y mas tarde al Rock en general.

¿Es acaso un cocinero aquel que tiene en casa miles de ingredientes diferentes, montones de utensilios de cocina y estanterías llenas de recetas? No, solo es un tío con  miles de ingredientes diferentes, montones de utensilios de cocina y estanterías llenas de recetas. ¿Es acaso un verdadero músico alguien que posee miles de kilos de droga, un estadio lleno de fans enfervorecidas y un equipamiento valorado en miles de dolares? No, es solo un tío con miles de kilos de droga, un estadio lleno de fans enfervorecidas y un equipamiento valorado en miles de dolares. El músico de verdad hace arte mediante la expresión musical, tanto si consume droga como si no, tanto si cuente con una chica que le acompañe en las noches solitarias como si no, tanto si su instrumento lo compró en la teletienda como si es hecho a mano. Es importante distinguir la diferencia.

Teniendo todo esto en cuenta, cada estilo derivado tomó una interpretación distinta del género original. El Heavy Metal tomó la brutalidad y la oscuridad, el Punk la protesta social, el Surf Rock el estilo de vida despreocupado de la juventud surfista, el Glam la espectacularidad y el glamour… Un largo etcétera de distintas variaciones. Sin embargo, al tener todos estos géneros las mismas raíces, debe existir un común denominador que nos indique cual es el espíritu de esta música moderna, del Rock’n’Roll mismo. Es aquí cuando la interpretación se vuelve subjetiva y no me queda más remedio que ahondar en mi propia opinión respecto al tema.

Arte en estado puro

Para mí, la esencia del Rock’n’Roll reside en la libertad. Di lo que quieras de la manera que quieras decirlo. Es ese mismo mantra el que puso al mundo patas arriba, el que creó un verdadero cambio. Aquella actitud era el arte en estado puro, expresividad ante todo.

Kiss es un claro ejemplo de la importancia de la puesta en escena.

Por desgracia, cuando el resto de actividades superfluas que rodeaban a dicho concepto tomaron el control de la situación, éste estaba condenado. Vivimos en un mundo en el que se le da más importancia a la puesta en escena, a la espectacularidad, a la sensualidad y al aspecto superficial de las cosas que a la propia esencia. Es por ello que el Rock’n’Roll no tiene cabida en un mundo como éste. Nosotros lo hemos matado.

Totalmente innecesario

Hay quien habla de un estado comatoso del que algún día despertará. He de ponerme en el lado pesimista de la situación, creo que es un coma del que jamás va a despertar. Al menos en la cultura underground todavía existen personas que saben distinguir este concepto y que crean verdaderas obras de arte. Que la cultura pop con su incultura reine la sociedad actual no quiere decir que tengamos tirar la toalla y darlo todo por perdido, simplemente quiere decir que no debemos expresarnos con el único objetivo de que el mundo entero vuelva a dicha revolución cultural, porque siento informaros de que esa es una batalla que ya está perdida. Debemos expresarnos porque queremos, tanto si el mundo nos escucha como si no, y eso es algo que hay que tener muy presente en todo momento.

Éste mismo es otro de los muchos motivos por los que el Rock and Roll está muerto.

Grupo Recomendado: Blues Explosion

Destacado

Jon Spencer

Jon Spencer

Jon Spencer, original de Hanover, Nuevo Hampshire (EE. UU.), formó en Nueva York Pussy Galore, un grupo de rock experimental que se disolvió a finales de los años 1980. Era un grupo por el que nadie daba un duro, pero sirvió de embrión para varias bandas que dieron más que hablar: la propia Jon Spencer Blues Explosion, Boss Hog (formada por el propio Spencer y Cristina Martínez) y Royal Trux (formada por Neil Hagerty y Jennifer Herrema).

Judah Bauer

Tras disolverse Pussy Galore, Jon Spencer empezó a trabajar con otras bandas como The Honeymoon KillersCrowbar MassageBoss Hog. Fue en The Honeymoon Killers donde conoció a Judah Bauer y Russell Simins, quienes acabaron formando Jon Spencer Bluex Explosion (JSBX). Judah Bauer había tocado también con The Trown Ups (con quienes publicó un álbum como vocalista en 1990), banda formada por Mark Arm y Steve Turner de MudhoneyRussell Simins tocaba en Crunt, que publicaron un único LP en 1994 y se disolvieron en 1995.

Russell Simins

Con su nuevo grupo formado, Jon Spencer dejó a Boss Hog como proyecto paralelo. Al igual que en Pussy Galore, JSBX se caracterizó por una formación sin bajista, en vez de un power trio habitual, la formación era de dos guitarristas y batería.

Los primeros trabajos de Jon Spencer son, según John Dougan, de Allmusic, «incomprehensibles y excitantes», con un bajo inexistente (o grabado a un volumen muy bajo) y guitarras distorsionadas en primer plano.

Pronto firmaron un contrato con Matador Records, fruto del cual fue su primer álbum oficial (producido por Steve Albini), Jon Spencer Blues Explosion (1992), seguido de Crypt Style (Crypt, 1992). Crypt Style era una edición con muchas de las canciones presentes en Jon Spencer Blues Explosion, pero en versiones diferentes. En estas referencias se apreció un cambio de estilo respecto a sus primeros sencillos: las canciones eran más coherentes y tanto la forma de cantar de Jon Spencer como la forma en la que la banda le seguía adoptaron más aires de blues. A pesar de ello, el álbum no se mueve, ni mucho menos, dentro de los parámetros del blues ortodoxo.

Según John Dougan el punk es el espíritu de este álbum «demente» y «crudo». Éste y su primo hermano Crypt Style son considerados entre los discos seminales del punk blues.

Durante este punto y hasta finales de la década, los álbumes de estudio de JSBX fueron muy bien acogidos por la crítica, convirtiéndoles en un grupo de éxito a nivel underground.

Extra Width

En 1993 apareció el tercer álbum de JSBX, Extra Width, esta vez producido por el propio Jon Spencer y considerado por algunos como el mejor trabajo de JSBX. En este álbum se produce una ruptura respecto a los dos anteriores: JSBX empieza a sonar como una banda de los 70 y la voz y pose de Spencer se asemejan a las de los imitadores de Elvis.

La actuación de Spencer es «histérica» y el álbum se describe como «enérgico y trastornado».

Existen descartes y demos que se publicaron en Mo’ Width (Au-Go-Go, 1994) Tras la publicación de Extra Width aparecieron por primera vez en la MTV, que emitió el vídeo «Afro», canción que fue el primer sencillo del álbum.

Blues Explosion Orange

Orange

En 1994, con la edición de su cuarto álbum, el más accesible Orange, producido por el propio grupo y Jim Waters, su número de seguidores se incrementó. JSBX siguieron buscando, en sonido y producción, a las bandas underground de los 70. Con este álbum llegó, además, una nueva cara del grupo: su gusto por las remezclas y la experimentación.

Hasta 1996 no apareció un nuevo trabajo de estudio, esta vez titulado Now I Got Worry (Capitol/Matador). Como en el anterior, Jim Waters ejerció de productor, además del propio Spencer.

El trabajo sigue la línea de sus predecesores, con «guitarras ásperas» y «voces como ladridos» y un sonido «fiero y directo que mantiene el disco arriba», según Allmusic.

Entre 1996 y 1997, la JSBX al completo sirvió de banda de apoyo del bluesman R. L. Burnside, grabando con él dos álbumes: A Ass Pocket Of Whiskey (Matador, 1996, OLE-214-1/2) y Mr. Wizard (Fat Possum, 1997, 80301-1/2). La noticia causó cierta consternación entre los fans más puristas de Burnside, ya que muchos pensaban que Jon Spencer se burlaba del blues con su música.

A parte de colaborar con Burnside, la Blues Explosion realizó una gira que les llevó, entre otros lugares, por España. El grupo se encontraba en un excelente momento de forma, dando conciertos muy enérgicos que eran aplaudidos por la crítica.

Acme

Dos años más tarde de la publicación de Now I Worry apareció Acme (Matador, 1998) el, para algunos, mejor trabajo de la banda. Acme fue el trabajo de estudio en el que cristalizaron los experimentos realizados anteriormente en singles y EP. El sonido básico (dos guitarras y batería) seguía siendo el mismo, pero en esta ocasión se escuchan elementos propios de la música electrónica y el rap. Otra novedad es que JSBX utilizó varios productores: Calvin Johnson, Steve Albini, Dan the Automator, Suzanne Dyer, Jim Dickinson y Alec Empire (de Atari Teenage Riot).

Tras la publicación de Acme y la consiguiente gira de presentación (en la que pasaron por España), la banda se dio su primer respiro en años. Fue un parón, no obstante, relativo, ya que realizaron diferentes proyectos bajo el nombre de JSBX.

En 2000 participaron como banda de apoyo en la grabación del álbum de Andre Williams “Is the Black Godfather” (In The Red, 2000), proyecto de Mick Collins en colaboración con bandas como The Compulsive Gamblers, The Cheater Slicks, The Countdowns y los propios JSBX. Además, grabaron el EP de 12″ Lap Dance (In The Red, 2000).

Durante este periodo se lazaron varios álbumes de la Blues Explosion. Aparecieron una serie de álbumes de descartes de las sesiones de AcmeAcme-Plus (Mute, 1999), Extra-Acme (Toy’s Factory, 1999), Xtra-Acme (Matador, 1999) y Ura-Acme (Toy’s Factory, 1999). Además se editó Experimental Remixes (Mute, 2000), un recopilatorio que recogía varias remezclas editadas en otros EP y singles.

Tras una serie de proyectos paralelos realizados por cada uno de los miembros del grupo individualmente, apareció en 2002 un nuevo trabajo de estudio de JSBX: Plastic Fang.

El álbum recibió buenas críticas a nivel internacional, pero en España fue vapuleado por la crítica. La Blues Explosion dejó de lado la experimentación de Acme y volvió a trabajar con un único productor: Steve Jordan, consiguiendo un sonido «directo y abrasivo», pero más limpio y accesible que en anteriores trabajos.

En 2004 apareció Damage! un álbum que, según algunos críticos, mostraba el declive de la banda. Para otros, en cambio, la Blues Explosion se mostraba como un conjunto de excelentes compositores, dando forma en Damage! a algunas de sus mejores canciones. En este álbum la banda retomó el concepto de Acme: trabajar con varios productores y colaboradores para mostrar diferentes facetas y sacarle más jugo a las canciones. Algunos de estos colaboradores fueron Martina Topley-Bird, James Chance, Chuck D., Steve Jordan, Dan the Automator, David Holmes o DJ Shadow.

El álbum apareció acreditado a «Blues Explosion» (sin el «Jon Spencer» delante), una forma, según el propio Spencer, de demostrar que lo suyo era una banda de verdad y de ceder el protagonismo compartiéndolo con los otros dos miembros.

Tras la aparición de Damage! y su última gira, Blues Explosion volvió a desaparecer del mapa. Uno de los motivos fue la aparición del grupo de rockabilly Heavy Trash, formado por Spencer y Matt Verta-Ray. Entre 2004 y 2007 aparecieron dos trabajos de la banda, Heavy Trash (Yep Roc, 2005) y Going Way Out With Heavy Trash (Yep Roc, 2007). Durante estos años Jon Spencer estuvo concentrado en su nuevo proyecto, enlazando giras y grabaciones de manera continua. A finales de 2007 estuvieron de gira por Europa.

En 2007, tres años después de su último trabajo de estudio apareció Jukebox Explosion, un álbum de rarezas que recopilaba la serie de sencillos que editaron en In The Red a mediados de los noventa. El álbum apareció acreditado a «Jon Spencer Blues Explosion». El grupo inició una nueva gira mundial llamada «Jukebox Explosion Tour 2008».

Su ultimo álbum hasta la fecha, denominado Meat + Bone es lanzado en 2012, al que sera acompañado una gira.

He aquí una muestra de sus espectaculares actuaciones en directo, en este caso en un programa de televisión francés.

Jimi Hendrix

Destacado

James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 – Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk.

Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.

En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenia estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando “riffs” hipnóticos llenos de poder y fuerza, “la guitarra parecía parte de su cuerpo” dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.

Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin’ Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico.

Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny’s Music Shop;entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California  a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff “Skunk” Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo.

Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones).

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos. y en 2004 lo consagro #6 en su lista de los mejores artistas de toda la historia.

Grupo Recomendado: The Kills

The Kills es una banda de Post-punk revival/indie rock formada por la estadounidense Alison “VV” Mosshart y el guitarrista británico Jamie “Hotel” Hince.

Mosshart estaba previamente en una banda punk rock de Florida: Discount, y Hince en la banda británica de rock Scarfo y Blyth Power: un grupo anarcho-punk. Se conocieron cuando Mosshart escuchó a Hince practicar con la guitarra en la habitación de debajo suya en el hotel y en el momento en el que sus respectivas bandas se separaron ellos comenzaron con esta relación musical.

Durante meses, ambos se encargaron de enviar sus grabaciones a través del Atlántico; después de esta prueba, que permite someter a un test la paciencia de ambos artistas ya que hacen falta semanas para recibir los registros, Mosshart despega de su Florida natal para Londres.

Procurando cambiar su estilo anterior, Mosshart e Hince, hacen de su nuevo proyecto el año cero de sus carreras, renombrándose respectivamente VV y Hotel, y comienzan a escribir juntos con la ayuda de una caja de ritmos canciones minimalistas.

En 2001 sacan una demo que es muy bien recibida. Participan con “Restaurant Blouse” en el recopilatorio ‘If the Twenty-First Century Did Not Exist, It Would Be Necessary to Invent It’. Poco después, sacan su ‘Black Rooster EP’ bajo la discográfica británica independiente Dominó Récords, distribuido en los Estados Unidos por Dim Mak Records.

El disco no habría podido demostrar más claramente su salida de sus dos grupos precedentes. Es Lo-fi a la vez musicalmente y esteticamente. En él se muestran fotos de Mosshart e Hince tomadas en un fotomatón más bien que en un estudio profesional. Musicalmente, el álbum es una mezcla entre Garage rock y Blues. Aunque el grupo cite PJ HarveyThe Velvet Underground Royal Trux como influencias inmediatas, la prensa musical los compara con el dúo mixto de garage rock, The White Stripes.

Grupo Recomendado: The Hellacopters

Formados en sus inicios por Nick Royale, por aquel entonces batería de Entombed, y tres de sus antiguos roadies, Kenny Håkansson, Robert Eriksson y Dregen, actual guitarrista de Backyard Babies, se juntaron para grabar un sencillo de tres cortes, Killing Alan, con Psychout, el sello de Royale. El disco puede llegar a alcanzar actualmente los 150 dólares. Más tarde firmaron un contrato con el sello White Jazz y con el lanzaron su álbum debut, Supershitty To The Max (1996), álbum que les valió un premio Grammy sueco al mejor álbum de hard rock.

Supershitty to the Max!

Supershitty to the Max!

Promocionaron el disco con giras por toda Europa y en 1997 se sumó al grupo Boba Fett, pianista, con quien grabaron su segundo disco de estudio, Payin’ the Dues. Este disco les puso a la cabeza de las bandas que dieron origen a la ola de rock escandinava de la década de los 90, junto a grupos como Backyard Babies, Gluecifer, Turbonegro o The Flaming Sideburns. La siguiente gira incluía una serie de conciertos por Escandinavia junto a Kiss, grupo muy influyente para el joven Nick Royale.

Rock and Roll is Dead

Rock and Roll is Dead

Al año siguiente el guitarrista Dregen, que ya no podía combinar su tiempo entre The Hellacopters y Backyard Babies, abandonó la banda, mientras los cuatro miembros restantes se dirigían a algún lugar de Suecia para dedicar toda su atención al tercer álbum de estudio, un disco que finalmente aparecería bajo el título Grande Rock. Entretanto, la banda decidió llevar su rock’n’roll a Estados Unidos, Australia y Japón, coincidiendo en Estados Unidos con el lanzamiento en América de Supershitty To The Max! con el sello Man’s Ruin. Para la gira, la banda contó como guitarristas temporales, primero con Danne Andersson y más tarde con Mattias Hellberg.

Hellacopters

Fue a comienzos del 99 cuando Robert Dahlqvist entró en el grupo sustituyendo a Dregen de forma permanente durante una gira mundial que fue apoyada por el lanzamiento en Junio de Grande Rock, con White Jazz en Europa, además del lanzamiento en otoño de Grande Rock y Payin’ The Dues con Sub Pop, en Estados Unidos.

High Visibility

High Visibility

En marzo siguieron los llenos en varios conciertos, tras lo cual los cada vez más famosos cinco entraron en los estudios Polar de Estocolmo para empezar las sesiones del álbum High Visibility, su primer lanzamiento con una gran discográfica tras firmar con Universal, y un disco en el que su estilo y sonido característicos llegan a un grado de desarrollo mayor que nunca.

Tres años más tarde, en 2002, los Hellacopters sacaron a la luz otro disco muy apreciado por la crítica y público, en el que su evolución continuaba en el campo de un rock más clásico, con atención tanto a las melodías como a los arreglos y bases rítmicas; el álbum se tituló By the Grace of God.

By The Grace of God

By The Grace of God

En 2005 publicaron el disco Rock and Roll is Dead, que aunque no tuvo una mal acogida entre el público no se consideró tan bueno como los dos anteriores.

El 13 de octubre 2007 dieron a conocer su intención de separarse, no sin antes publicar un último disco y realizar una gira por Europa, mediante una nota en su página oficial. Así, a mediados de abril de 2008 sacaron su último disco, Head Off, y realizaron una gira de despedida en septiembre y octubre, con varios conciertos en España.

Una influencia fundamental para el grupo es el proto-punk de MC5 o The Stooges, además del rock clásico de Rolling Stones o The Faces; otras bandas que suponen una referencia en su música son Lynyrd Skynyrd, AC/DC o incluso Guns n’ Roses, los “clásicos” del hard rock.

Head Off

Head Off

Se puede apreciar una clara evolución en la música de la banda; sus primeros discos se movían hacia un estilo de rock mucho más sucio y ruidoso, próximo al Punk rock; en sucesivas entregas fueron avanzando paulatinamente hacia un estilo más clásico, donde se hacía más palpable la influencia de bandas como Rolling Stones o Faces, con aproximaciones al Boogie rock en algunos momentos; esa influencia se hace patente tanto en las guitarras rítmicas o en los arreglos de piano, como en la estética de la banda, en la que tiene cabida un toque “retro” que se aprecia en su “merchandising” o en las portadas de sus álbumes, sin olvidar la influencia del Hard rock al estilo de AC/DC o Guns n’ Roses que imprime el grupo a sus temas; todo ello contribuye a definir el estilo de la formación. Incluso se atreven a versionar el Big Guns del maestro del blues-rock irlandés Rory Gallagher.

“The Absent”

Estas Navidades el grupo estadounidense Black Rebel Motorcycle Club ha ofrecido a todos sus fans la descarga gratuita de una canción inédita llamada “The Absent”, el grupo añade que siente que la canción no sea precisamente de lo más alegre, pero que es un regalo por todo el apoyo que ha recibido la banda a lo largo del año.

Sin mas dilación he aquí el tema:

Black Rebel Motorcycle Club – The Absent