Razón Nº 2 por la que “El Rock’n’Roll está muerto”: Concepción errónea del término. ¿Qué es Rock’N’Roll?

Esta va a ser una larga exposición así que tomen asiento, pongan de fondo una lista de reproducción con sus canciones preferidas y no pierdan detalle. Aquí mostraré mi opinión propia, sin eufemismos ni edulcorantes. Todas las opiniones serán respetadas y discutidas de forma respetuosa en caso de tengáis algo que decir, así que no seáis tímidos.Rock and Roll

Conceptos Técnicos

Navegando por Internet en busca del significado de Rock’n’Roll sólo encontré vagas definiciones un tanto imprecisas, análisis respecto a las música de los 50, ensayos acerca de cómo la tecnología había acabado con dicho género… y otra serie de incongruencias sin sentido alguno. Veamos todo esto por partes, con todos sus pros y contras, sin prisa pero sin pausa.

Empecemos distinguiendo Rock y Rock’n’Roll:

Rock and rollrock n’ roll es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense, (Doo Wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley, su guitarrista más influyente Chuck Berry y sus bandas más influyentes, Eddie Cochran, Little Richard o Bill Haley and The Comets entre otros.” – http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_and_roll

“El rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que normalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y piano.

El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk. Todas estas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues «que era rápida, bailable y pegadiza».” – http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_rock 

Supongo que hasta aquí todo está claro. Por ejemplo, a The Clash podríamos definirlo como Rock pero no como Rock’n’Roll debido a que es una banda perteneciente al movimiento punk rock, el cual a su vez ha derivado del susodicho R’n’R.

Es por todo esto por lo que si nos ceñimos a la tecnicidad del término solo podríamos denominar Rock’n’Roll a toda aquella música originaria de los años 50 o a aquella que intenta emularla imitando su estilo. Sin embargo, ¿por qué existen muchos grupos tanto pasados como contemporáneos a los que se les quiere denominar como propios del “Rock’n’Roll”?

La explicación es simple y complicada al mismo tiempo. La parte simple; en este caso no tomamos el término puramente técnico sino que hablamos del Espíritu del Rock’n’Roll, lo cual es algo bastante diferente. La parte compleja; ¿cómo podemos distinguir el Espíritu del Rock’n’Roll de aquello que no lo es?

El Espíritu del Rock’n’Roll

Para poder definir esto debemos ir a las propias raíces de la música moderna. Años 50, Bill Haley and His Comets surgen con su “Rock Around the Clock” a los cuales le siguen Chuck Berry, Elvis Presley, Buddy Holly, Little Richard y un largo etcétera. También hay quien habla de “That’s all right Mama” de Elvis Presley como la primera canción de Rock’n’Roll. El inicio es incierto pero lo que si es seguro es que su música supone una gran revolución musical, y en este cambio los jovenes son los que portan los estandartes, las nuevas ideas, los nuevos símbolos, la nueva actitud… Quieren comerse el mundo y por una vez éste está dispuesto a escucharlos.

Sin embargo no todo es tan bueno como parece, desde un principio dicha revolución desvaría hacía conceptos ajenos a la primera concepción. El carácter pasional de las nuevas generaciones transforma el Rock’n’Roll en un mundo de experiencias nuevas, sexo, drogas, irresponsabilidad y desenfreno que poco a poco irá cogiendo fuerza hasta puntos insospechados. Con la acuñación del termino “Sexo, drogas y Rock’n’Roll” observamos claramente dicho descarrilamiento del movimiento. ¿Acaso son las drogas parte del Rock’n’Roll? ¿Acaso el sexo es parte del Rock’n’Roll? ¿Acaso son necesarios los excesos pasionales para experimentar el verdadero Espíritu del Rock’n’Roll? Todas estas desambiguaciones son las que dieron mala fama al Rock’n’Roll y mas tarde al Rock en general.

¿Es acaso un cocinero aquel que tiene en casa miles de ingredientes diferentes, montones de utensilios de cocina y estanterías llenas de recetas? No, solo es un tío con  miles de ingredientes diferentes, montones de utensilios de cocina y estanterías llenas de recetas. ¿Es acaso un verdadero músico alguien que posee miles de kilos de droga, un estadio lleno de fans enfervorecidas y un equipamiento valorado en miles de dolares? No, es solo un tío con miles de kilos de droga, un estadio lleno de fans enfervorecidas y un equipamiento valorado en miles de dolares. El músico de verdad hace arte mediante la expresión musical, tanto si consume droga como si no, tanto si cuente con una chica que le acompañe en las noches solitarias como si no, tanto si su instrumento lo compró en la teletienda como si es hecho a mano. Es importante distinguir la diferencia.

Teniendo todo esto en cuenta, cada estilo derivado tomó una interpretación distinta del género original. El Heavy Metal tomó la brutalidad y la oscuridad, el Punk la protesta social, el Surf Rock el estilo de vida despreocupado de la juventud surfista, el Glam la espectacularidad y el glamour… Un largo etcétera de distintas variaciones. Sin embargo, al tener todos estos géneros las mismas raíces, debe existir un común denominador que nos indique cual es el espíritu de esta música moderna, del Rock’n’Roll mismo. Es aquí cuando la interpretación se vuelve subjetiva y no me queda más remedio que ahondar en mi propia opinión respecto al tema.

Arte en estado puro

Para mí, la esencia del Rock’n’Roll reside en la libertad. Di lo que quieras de la manera que quieras decirlo. Es ese mismo mantra el que puso al mundo patas arriba, el que creó un verdadero cambio. Aquella actitud era el arte en estado puro, expresividad ante todo.

Kiss es un claro ejemplo de la importancia de la puesta en escena.

Por desgracia, cuando el resto de actividades superfluas que rodeaban a dicho concepto tomaron el control de la situación, éste estaba condenado. Vivimos en un mundo en el que se le da más importancia a la puesta en escena, a la espectacularidad, a la sensualidad y al aspecto superficial de las cosas que a la propia esencia. Es por ello que el Rock’n’Roll no tiene cabida en un mundo como éste. Nosotros lo hemos matado.

Totalmente innecesario

Hay quien habla de un estado comatoso del que algún día despertará. He de ponerme en el lado pesimista de la situación, creo que es un coma del que jamás va a despertar. Al menos en la cultura underground todavía existen personas que saben distinguir este concepto y que crean verdaderas obras de arte. Que la cultura pop con su incultura reine la sociedad actual no quiere decir que tengamos tirar la toalla y darlo todo por perdido, simplemente quiere decir que no debemos expresarnos con el único objetivo de que el mundo entero vuelva a dicha revolución cultural, porque siento informaros de que esa es una batalla que ya está perdida. Debemos expresarnos porque queremos, tanto si el mundo nos escucha como si no, y eso es algo que hay que tener muy presente en todo momento.

Éste mismo es otro de los muchos motivos por los que el Rock and Roll está muerto.

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Grupo Recomendado: Blues Explosion

Destacado

Jon Spencer

Jon Spencer

Jon Spencer, original de Hanover, Nuevo Hampshire (EE. UU.), formó en Nueva York Pussy Galore, un grupo de rock experimental que se disolvió a finales de los años 1980. Era un grupo por el que nadie daba un duro, pero sirvió de embrión para varias bandas que dieron más que hablar: la propia Jon Spencer Blues Explosion, Boss Hog (formada por el propio Spencer y Cristina Martínez) y Royal Trux (formada por Neil Hagerty y Jennifer Herrema).

Judah Bauer

Tras disolverse Pussy Galore, Jon Spencer empezó a trabajar con otras bandas como The Honeymoon KillersCrowbar MassageBoss Hog. Fue en The Honeymoon Killers donde conoció a Judah Bauer y Russell Simins, quienes acabaron formando Jon Spencer Bluex Explosion (JSBX). Judah Bauer había tocado también con The Trown Ups (con quienes publicó un álbum como vocalista en 1990), banda formada por Mark Arm y Steve Turner de MudhoneyRussell Simins tocaba en Crunt, que publicaron un único LP en 1994 y se disolvieron en 1995.

Russell Simins

Con su nuevo grupo formado, Jon Spencer dejó a Boss Hog como proyecto paralelo. Al igual que en Pussy Galore, JSBX se caracterizó por una formación sin bajista, en vez de un power trio habitual, la formación era de dos guitarristas y batería.

Los primeros trabajos de Jon Spencer son, según John Dougan, de Allmusic, «incomprehensibles y excitantes», con un bajo inexistente (o grabado a un volumen muy bajo) y guitarras distorsionadas en primer plano.

Pronto firmaron un contrato con Matador Records, fruto del cual fue su primer álbum oficial (producido por Steve Albini), Jon Spencer Blues Explosion (1992), seguido de Crypt Style (Crypt, 1992). Crypt Style era una edición con muchas de las canciones presentes en Jon Spencer Blues Explosion, pero en versiones diferentes. En estas referencias se apreció un cambio de estilo respecto a sus primeros sencillos: las canciones eran más coherentes y tanto la forma de cantar de Jon Spencer como la forma en la que la banda le seguía adoptaron más aires de blues. A pesar de ello, el álbum no se mueve, ni mucho menos, dentro de los parámetros del blues ortodoxo.

Según John Dougan el punk es el espíritu de este álbum «demente» y «crudo». Éste y su primo hermano Crypt Style son considerados entre los discos seminales del punk blues.

Durante este punto y hasta finales de la década, los álbumes de estudio de JSBX fueron muy bien acogidos por la crítica, convirtiéndoles en un grupo de éxito a nivel underground.

Extra Width

En 1993 apareció el tercer álbum de JSBX, Extra Width, esta vez producido por el propio Jon Spencer y considerado por algunos como el mejor trabajo de JSBX. En este álbum se produce una ruptura respecto a los dos anteriores: JSBX empieza a sonar como una banda de los 70 y la voz y pose de Spencer se asemejan a las de los imitadores de Elvis.

La actuación de Spencer es «histérica» y el álbum se describe como «enérgico y trastornado».

Existen descartes y demos que se publicaron en Mo’ Width (Au-Go-Go, 1994) Tras la publicación de Extra Width aparecieron por primera vez en la MTV, que emitió el vídeo «Afro», canción que fue el primer sencillo del álbum.

Blues Explosion Orange

Orange

En 1994, con la edición de su cuarto álbum, el más accesible Orange, producido por el propio grupo y Jim Waters, su número de seguidores se incrementó. JSBX siguieron buscando, en sonido y producción, a las bandas underground de los 70. Con este álbum llegó, además, una nueva cara del grupo: su gusto por las remezclas y la experimentación.

Hasta 1996 no apareció un nuevo trabajo de estudio, esta vez titulado Now I Got Worry (Capitol/Matador). Como en el anterior, Jim Waters ejerció de productor, además del propio Spencer.

El trabajo sigue la línea de sus predecesores, con «guitarras ásperas» y «voces como ladridos» y un sonido «fiero y directo que mantiene el disco arriba», según Allmusic.

Entre 1996 y 1997, la JSBX al completo sirvió de banda de apoyo del bluesman R. L. Burnside, grabando con él dos álbumes: A Ass Pocket Of Whiskey (Matador, 1996, OLE-214-1/2) y Mr. Wizard (Fat Possum, 1997, 80301-1/2). La noticia causó cierta consternación entre los fans más puristas de Burnside, ya que muchos pensaban que Jon Spencer se burlaba del blues con su música.

A parte de colaborar con Burnside, la Blues Explosion realizó una gira que les llevó, entre otros lugares, por España. El grupo se encontraba en un excelente momento de forma, dando conciertos muy enérgicos que eran aplaudidos por la crítica.

Acme

Dos años más tarde de la publicación de Now I Worry apareció Acme (Matador, 1998) el, para algunos, mejor trabajo de la banda. Acme fue el trabajo de estudio en el que cristalizaron los experimentos realizados anteriormente en singles y EP. El sonido básico (dos guitarras y batería) seguía siendo el mismo, pero en esta ocasión se escuchan elementos propios de la música electrónica y el rap. Otra novedad es que JSBX utilizó varios productores: Calvin Johnson, Steve Albini, Dan the Automator, Suzanne Dyer, Jim Dickinson y Alec Empire (de Atari Teenage Riot).

Tras la publicación de Acme y la consiguiente gira de presentación (en la que pasaron por España), la banda se dio su primer respiro en años. Fue un parón, no obstante, relativo, ya que realizaron diferentes proyectos bajo el nombre de JSBX.

En 2000 participaron como banda de apoyo en la grabación del álbum de Andre Williams “Is the Black Godfather” (In The Red, 2000), proyecto de Mick Collins en colaboración con bandas como The Compulsive Gamblers, The Cheater Slicks, The Countdowns y los propios JSBX. Además, grabaron el EP de 12″ Lap Dance (In The Red, 2000).

Durante este periodo se lazaron varios álbumes de la Blues Explosion. Aparecieron una serie de álbumes de descartes de las sesiones de AcmeAcme-Plus (Mute, 1999), Extra-Acme (Toy’s Factory, 1999), Xtra-Acme (Matador, 1999) y Ura-Acme (Toy’s Factory, 1999). Además se editó Experimental Remixes (Mute, 2000), un recopilatorio que recogía varias remezclas editadas en otros EP y singles.

Tras una serie de proyectos paralelos realizados por cada uno de los miembros del grupo individualmente, apareció en 2002 un nuevo trabajo de estudio de JSBX: Plastic Fang.

El álbum recibió buenas críticas a nivel internacional, pero en España fue vapuleado por la crítica. La Blues Explosion dejó de lado la experimentación de Acme y volvió a trabajar con un único productor: Steve Jordan, consiguiendo un sonido «directo y abrasivo», pero más limpio y accesible que en anteriores trabajos.

En 2004 apareció Damage! un álbum que, según algunos críticos, mostraba el declive de la banda. Para otros, en cambio, la Blues Explosion se mostraba como un conjunto de excelentes compositores, dando forma en Damage! a algunas de sus mejores canciones. En este álbum la banda retomó el concepto de Acme: trabajar con varios productores y colaboradores para mostrar diferentes facetas y sacarle más jugo a las canciones. Algunos de estos colaboradores fueron Martina Topley-Bird, James Chance, Chuck D., Steve Jordan, Dan the Automator, David Holmes o DJ Shadow.

El álbum apareció acreditado a «Blues Explosion» (sin el «Jon Spencer» delante), una forma, según el propio Spencer, de demostrar que lo suyo era una banda de verdad y de ceder el protagonismo compartiéndolo con los otros dos miembros.

Tras la aparición de Damage! y su última gira, Blues Explosion volvió a desaparecer del mapa. Uno de los motivos fue la aparición del grupo de rockabilly Heavy Trash, formado por Spencer y Matt Verta-Ray. Entre 2004 y 2007 aparecieron dos trabajos de la banda, Heavy Trash (Yep Roc, 2005) y Going Way Out With Heavy Trash (Yep Roc, 2007). Durante estos años Jon Spencer estuvo concentrado en su nuevo proyecto, enlazando giras y grabaciones de manera continua. A finales de 2007 estuvieron de gira por Europa.

En 2007, tres años después de su último trabajo de estudio apareció Jukebox Explosion, un álbum de rarezas que recopilaba la serie de sencillos que editaron en In The Red a mediados de los noventa. El álbum apareció acreditado a «Jon Spencer Blues Explosion». El grupo inició una nueva gira mundial llamada «Jukebox Explosion Tour 2008».

Su ultimo álbum hasta la fecha, denominado Meat + Bone es lanzado en 2012, al que sera acompañado una gira.

He aquí una muestra de sus espectaculares actuaciones en directo, en este caso en un programa de televisión francés.

Razón Nº 1 por la que “El Rock’n’Roll está Muerto”: Playback

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Me gustaría comentar este aspecto en concreto desde la experiencia propia. Día 9 de Septiembre, son las fiestas de un pueblo que no merece ser mencionado, una banda madrileña y mi banda tocamos al aire libre en un recinto con carpas para peñas y un escenario moderadamente amplio. La banda de Madrid se auto-clasifica dentro del pop, rock y grunge. El simple hecho de que se consideraran una banda de grunge nos molestó y más aún teniendo en cuenta que el guitarra rítmico de nuestro grupo es fan incondicional de Nirvana y del movimiento grunge, pero ese no es el tema.

Quedamos con ellos para enseñarles el sitio y servirles de guía, en cuanto llegan exigen (nada de pedir, eso sería demasiado amable) que el técnico de sonido esté presente, que si no ellos no montan nada. Hacemos mil llamadas para ponerles a ellos al teléfono con el técnico, nosotros estábamos perplejos. Yo pensé que quizá nosotros debíamos hacer lo mismo en todos nuestros conciertos, que puede que no fuéramos lo suficientemente profesionales. Lo que quedó claro era que se lo tenían muy creído, y que iban de endiosados. Todo me olía un tanto extraño. Nos comentaron que habían tenido que alquilar una manguera para conectar las pantallas. Yo no se mucho acerca de la amplificación de voz, puede que la mesa de mezclas no tuviera suficientes entradas para todas las pantallas que llevaban, pero aun con esas no me cuadraba el asunto.

Cuando empezaron a tocar me pregunté donde se habrían dejado el rock y el grunge, ahí yo solo escuchaba pop español puro y duro. Y fue entonces cuando empezamos a notar cosas raras. De primeras el amplificador de la solista y el del rítmico estaban juntos pero en la práctica no era así, se oía por un lado los solos y por otro el ritmo. No había más amplificadores de guitarra, el sonido salía del equipo de voz que habían traído. Nadie en su sano juicio conectaría directamente la guitarra ahí, a menos que use modulación de amplificadores, pero la guitarra no parecía estar conectada ahí. Solo vi una etapa de potencia sobre un amplificador de voz, todo muy raro.

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El momento culmen de mis sospechas se produjo cuando un amigo me dijo que había oído un punteo de guitarra que ninguno había hecho. Todo se confirmó cuando la cantante de nuestro grupo llegó en las últimas canciones que tocaron y afirmó haber oído algo en la batería que no era lo que había visto. Y no, nadie le comentó nada acerca de lo que nos estábamos oliendo. Que pase una vez puede ser casualidad pero dos, y en boca de personas distintas, es demasiado.

Fue entonces cuando comprendí los motivos detrás del cable alquilado, de contactar con el técnico de sonido, de tener una etapa y llevar tanta amplificación de voz propia… Por desgracia todo encajaba. Playback. No todo, pero una gran parte sí.

La conclusión a la que llegamos con esta anécdota es que si una banda de chavales jóvenes ya en sus inicios empieza haciendo esto a saber cuantos falsos ídolos se han creado a partir de mentiras como la creada por este joven grupo. El día en el que sean algo solo podré mirarles con desprecio y quedar asqueado por aquellos adoradores de su música que no hacen sino creer en una gran mentira.

Pongamos un ejemplo, Justin Bieber.

No es que me ría de que el pobre crío vomite (ahí dónde lo veis es humano, le puede pasar a cualquiera), me río porque su voz sigue sonando de fondo. Bonito Playback.

Podría poner mil ejemplos y citar miles de ídolos del pop pero sinceramente, no vale la pena hacerlo, sería esfuerzo derrochado en gente que no merece ni siquiera ser nombrada. Es una pena que muchas de estas figuras hayan conseguido mas éxito que miles y miles de músicos profesionales a los que estos niños no les llegan ni a la suela de los zapatos.

No digo que el pop sea una gran mentira, por supuesto que hay gente digna que hace cosas de una calidad magistral, las generalidades nunca son buenas. Pero por desgracia gran parte de los ídolos musicales de la cultura de masas empezaron como estos chavales y aun así el mundo les recompensó por algo que no habían hecho. Este es uno de los muchos motivos por los que el Rock and Roll está muerto.

Jimi Hendrix

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James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 – Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense. Es considerado uno de los más grandes guitarristas de la historia de la música, además de ser uno de los mayores innovadores en el ámbito de la guitarra eléctrica: durante su carrera artística, tan breve como intensa, fue el precursor de muchas estructuras y del sonido de aquellas que serían las futuras evoluciones del rock (como por ejemplo el hard rock), creando una fusión inédita de blues, rhythm and blues, rock and roll y funk.

Nacido en el King County Hospital de Seattle en el estado de Washington, Estados Unidos, de madre de orígenes nativo americana y padre afroamericano, con el nombre de Johny Allen Hendrix. Le cambiaron el nombre por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre Leon Marshall Hendrix.

El pequeño Jimi pasó sus primeros años en un barrio muy humilde y tuvo una infancia marcada por el divorcio de sus padres avenido cuando éste tenía apenas 9 años; como consecuencia, fue otorgado en tutela a su abuela paterna Nora Rose Moore, en ese entonces la única persona en grado de garantizarle un mínimo de estabilidad.

Obtuvo su primera guitarra acústica a los 14 años por cinco dólares a un conocido de su padre, reemplazando el ukelele de una sola cuerda que su padre había encontrado limpiando un garaje. Aprendió practicando constantemente, mirando cómo tocaban otros músicos más experimentados y escuchando discos. En 1958, el año en que muere su madre, su padre le compró su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca, aunque sin amplificador, con la que tocó en varias bandas locales. Ese mismo año su única calificación baja en la escuela fue una F en clase de música. Poco interesado en la escuela, que dejaría antes de graduarse, Jimi comenzó a dedicarse tempestivamente a la música: sus puntos de referencia fueron guitarristas de la escena del blues de Chicago como Elmore James, Muddy Waters o Albert King, por no hablar de leyendas del más sobresaliente delta blues, como Robert Johnson y Leadbelly, y del rock and roll como Chuck Berry.

En los inicios de la década del 60, a causa de algunos problemas con la ley, se vio obligado a elegir entre un periodo de reclusión o el alistamiento militar; elegida la segunda opción, Jimi viene alistado el 31 de mayo de 1961 en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento. Su aventura en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente e intencionado a dedicarse a la música, Jimi decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual. Tomando en cuenta algunas entrevistas dejadas por Hendrix a propósito, en cambio, parece que con el fin de obtener la baja adujo problemas en la espalda producto de un salto en paracaídas.

Hendrix era musicalmente empírico, esto significa que no tenia estudios clásicos serios sobre teoría musical. Sin embargo, esto no fue impedimento para lograr generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas; él pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y expansión del género, fue un usuario innovador de técnicas auditivas ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando “riffs” hipnóticos llenos de poder y fuerza, “la guitarra parecía parte de su cuerpo” dice la mayoría que lo admira, sin duda puede sepultarse su imagen en la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas.

Su primera oportunidad de saborear el éxito llegó en 1964, cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin’ Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, single que poco después se convertiría en un éxito radiófonico.

Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una interminable serie de idas y vueltas desde una banda a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer quien se anticipó al estilo funk. No obstante Little Richard fuese por aquellos tiempos uno de los ídolos de Jimi, ambos entraron en diferentes conflictos durante el tour por las razones más disparatadas; la mayoría se debía a la escasa tolerancia del cantante hacia la teatralidad escénica de Hendrix. Por un breve periodo, Hendrix se separó del grupo de soporte de Richard para seguir en tour a Ike y Tina Turner: pero poco alcanzó, alimentada de las usuales acaloradas actuaciones del guitarrista, para inducir a los dos artistas a reenviarlo a su anterior grupo. De todos modos, la aventura con la banda a la espalda de Little Richard concluiría a los pocos meses, cuando Hendrix fue despedido por haber perdido el tour bus a Washington D. C..

En 1965 Hendrix se unió a la banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires, después de haber conocido a Knight en el hall de un hotel -clase media- en el cuál ambos habían encontrado hospedaje. Siguió un tour de dos meses con Joey Dee and the Starliters antes de regresar nuevamente con los Squires en Nueva York. Finalmente el 15 de octubre de 1965 Jimi obtiene un contrato discográfico de tres años de duración con Ed Chaplin, un empresario al que se comprometió a darle 1 dólar y el 1% de royalty sobre las grabaciones con Curtis Knight. No obstante 13 años más tarde la colaboración con Chaplin fue concluida, el contrato fue apelado con éxito por parte del empresario causando no pocos problemas a Hendrix hasta su resolución. Durante una breve estadía en Vancouver, parece ser que Hendrix tocó con Bobby Taylor & the Vancouvers, bajo contrato con Motown y con Taylor y Tommy Chong (de los Cheech and Chong fame). Chong, de todos modos, afirma que tal episodio nunca existió y sostiene que el hecho viene atribuido a la tendencia de Taylor a agrandar las cosas.

No obstante la inestabilidad del periodo, todas las errabundas experiencias que le vieron protagonista le sirvieron de aprendizaje, permitiéndole enriquecer ulteriormente su considerable bagaje guitarrístico.

En 1966 Hendrix formó su primer grupo bajo el nombre de Jimmy James and the Blue Flames, con una variada formación, incluidos diversos conocidos suyos reclutados en el Manny’s Music Shop;entre ellos un intrépido californiano de 15 años llamado Randy Wolfe. Habiendo dos Randy en el grupo, Hendrix resolvió la cuestión rebautizando Wolfe Randy California  a uno y al otro Randy Texas. Randy California se seria convertido más tarde en co-fundador de Spirit junto a Ed Cassidy.

Durante esas épocas comenzó a consumir marihuana y LSD, como la gran mayoría de músicos y artistas del momento.

Hendrix y su nuevo grupo llamaron fácilmente la atención de una Nueva York todavía distante de los sonidos y humores de la revolución cultural y musical que estaba por explotar sobre la costa opuesta del país. Fue durante las exhibiciones en el Cafe Wha? ubicado sobre la MacDougal Street en el Greenwich Village, que Hendrix conoció a la cantante y guitarrista Ellen McIlwaine y al guitarrista Jeff “Skunk” Baxter. Fundamental, en el mismo periodo, fue el conocimiento de Frank Zappa; la leyenda quiso que fuera justamente Zappa a instruir a Hendrix sobre las prospectivas que ofrecía un efecto para guitarra de un nuevo producto destinado a ser famoso: el wah-wah.

Su exhibición durante el cierre del festival de Woodstock en 1969 se transformó en un verdadero y propio símbolo: la imagen del guitarrista que con una irónica y desafiante visión del arte, toca el himno nacional estadounidense con una distorsión visiblemente provocada, y sin embargo brillante. Ésta entró prepotentemente en el imaginario colectivo musical como uno de los puntos de inflexión en la historia del rock.

El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), James Marshall Hendrix falleció bajo circunstancias que aún no han podido ser completamente explicadas. Esa noche estuvo hasta tarde en una fiesta y su novia, Monika Dannemann, fue a recogerle y le dejó en su apartamento en el Hotel Samarkand. Las estimaciones médicas dicen que murió al poco tiempo. La causa de la muerte fue por asfixia causada por su própio vómito, al haber mezclado pastillas para dormir con alcohol. Monika Dannemann asegura en el testimonio original que Hendrix cogió nueve pastillas que le recetaba su médico para dormir, y los médicos atestiguan que el vómito fue provocado por la ingesta excesiva de alcohol. Dannemann acusó incluso que Jimi Hendrix aún estaba vivo cuando le subieron a la ambulancia, y que fue la negligencia médica causada en la ambulancia la que provocó que se ahogase con su propio vómito. No obstante, los agentes de policía y servicios sanitarios que lo encontraron en el apartamento, declararon que encontraron el cuerpo de Hendrix sin vida, e incluso que llevaba varias horas fallecido.

Actualmente se tiene una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright , el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que el deceso del guitarrista se debió a que su representante, Michael Jeffery, lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que el guitarrista iba a despedirlo. Ya muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del artista, seguro cuyo beneficiario sería el mismo mánager. James Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo.

Jimi Hendrix muere a los 27 años (edad a la que fallecieron también: Jim Morrison, Robert Johnson, Janis Joplin, Kurt Cobain y Brian Jones).

Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos. y en 2004 lo consagro #6 en su lista de los mejores artistas de toda la historia.

Grupo Recomendado: The Black Angels

Destacado


The Black Angels son una banda de rock psicodélico de Austin, Texas formada en Mayo del 2004. El nombre de la banda deriva de la canción “The Black Angel’s Death Song” de Velvet Underground.

En 2005, los Black Angels aparecieron en un álbum compilatorio de música psicodélica denominado “Psychedelica Vol.1” de Northern Star Records. Esto sumado a la creciente popularidad de su página de MySpace dió a la banda un gran salto de popularidad en los circulos underground.

El 5 de Agosto de 2007 tocaron en Lollapalooza en Chicago. Entre otros actos, actuaron en los SXSW del 2006 y 2008 y en el All Tomorrow’s Parties del 2008. También cuentan con numerosos conciertos en el Austin Psych Fest.

The Black Angels ha participado en giras con diversas bandas entre las que se incluyen The Black Keys, Black Rebel Motorcycle Club, The Warlocks, Roky Erickson, The Brian Jonestown Massacre, Queens of the Stone Age, The Raveonettes, Wolfmother y The Horrors.

El LP debut del grupo “Passover” fue en general bien recibido en la comunidad underground de rock independiente y fue destacado por su tono oscuro y notables letras. En él puede encontrarse la canción “Young Men Dead“, conocida por haber sido parte de la banda sónora de algunos spots publicitarios y películas.

El tercer album de la banda, “Phonosphene Dream” fue lanzado el 14 de Septiembre de 2010 y se convirtió en uno de los más conocidos de la banda junto con su primer LP por contener canciones como “Bad Vibrations“, “Haunting at 1300 McKinley” , “Entrance Song” y “Telephone“.

Grupo Recomendado: The Kills

The Kills es una banda de Post-punk revival/indie rock formada por la estadounidense Alison “VV” Mosshart y el guitarrista británico Jamie “Hotel” Hince.

Mosshart estaba previamente en una banda punk rock de Florida: Discount, y Hince en la banda británica de rock Scarfo y Blyth Power: un grupo anarcho-punk. Se conocieron cuando Mosshart escuchó a Hince practicar con la guitarra en la habitación de debajo suya en el hotel y en el momento en el que sus respectivas bandas se separaron ellos comenzaron con esta relación musical.

Durante meses, ambos se encargaron de enviar sus grabaciones a través del Atlántico; después de esta prueba, que permite someter a un test la paciencia de ambos artistas ya que hacen falta semanas para recibir los registros, Mosshart despega de su Florida natal para Londres.

Procurando cambiar su estilo anterior, Mosshart e Hince, hacen de su nuevo proyecto el año cero de sus carreras, renombrándose respectivamente VV y Hotel, y comienzan a escribir juntos con la ayuda de una caja de ritmos canciones minimalistas.

En 2001 sacan una demo que es muy bien recibida. Participan con “Restaurant Blouse” en el recopilatorio ‘If the Twenty-First Century Did Not Exist, It Would Be Necessary to Invent It’. Poco después, sacan su ‘Black Rooster EP’ bajo la discográfica británica independiente Dominó Récords, distribuido en los Estados Unidos por Dim Mak Records.

El disco no habría podido demostrar más claramente su salida de sus dos grupos precedentes. Es Lo-fi a la vez musicalmente y esteticamente. En él se muestran fotos de Mosshart e Hince tomadas en un fotomatón más bien que en un estudio profesional. Musicalmente, el álbum es una mezcla entre Garage rock y Blues. Aunque el grupo cite PJ HarveyThe Velvet Underground Royal Trux como influencias inmediatas, la prensa musical los compara con el dúo mixto de garage rock, The White Stripes.

Grupo Recomendado: The Black Ryder

The Black Ryder son una banda alternativa proveniente de Sydney, Australia. Formada en 2007 por  Aimee Nash (Vocal, Guitarra, Piano y Percusión) y Scott Von Ryper (Vocales, Guitarra, Bajo, Piano, Percusión) tras su salida del grupo The Morning After Girls.

Su album debut Buy The Ticket, Take The Ride fue lanzado el 6 de Noviembre del 2009 a través de la discográfoica The Anti-Machine/ EMI Music en Australia y también a través de Maxican Summer Records el 21 de Septiembre del 2010.

With auspicious sensual textured layers of melody and guitars, both Scott Von Ryper and chanteuse Miss Aimée Nash weave a densely rich tapestry of love, sex and death, mountains, oceans and astral travel.

They indicate the way to the heart of life, the centre of our humanity in ritual space, in crafted chords, in veiled waves of sonic tone and drone.

Rich dangerous opiated swirling attacks on the third eye, lysergic and lupine in equal measure. Once drawn in by this perfume its essence stays with the listener forever.

Self-produced, self-funded, self-realized. Nash + Von Ryper created this beautiful set of recordings, an  act of necessity formed in earnest from the ashes.

There is only one way to truly experience the journey and that is to listen to their debut album Buy the Ticket, Take the Ride.

We are struck by Aimee’s beauty and Scott’s sartorial gaze. They are assassins of experience of deep exploration broadcasting direct from the palace of wisdom.” – Descripción del grupo en la página oficial de The Black Ryder.

Grupo Recomendado: Black Rebel Motorcycle Club

BRMC, nombre corto con el que son conocidos, se formaron en 1998 tomando su nombre de la pandilla de moticiclistas de la película de Marlon Brando de 1953: “The Wild One”. Originalmente tenían el nombre The Elements pero al descubrir que había otro grupo con el mismo nombre decidieron cambiarlo a Black Rebel Motorcycle Club.

Peter Hayes

Peter Hayes

Been y Hayes se conocieron en la preparatoria en San Francisco y rápidamente formaron una banda, escribiendo canciones y tocando juntos. Al estar buscando un baterista, conocieron a Jago, nacido en Cornwall, Inglaterra al poco tiempo de haberse mudado con sus padres a California.

Been utilizó el pseudónimo “Robert Turner” durante sus primeras dos grabaciones, en un intento por no ser vinculado con Michael Been, su aclamado padre y miembro de la agrupación The Call. Más tarde dejó a un lado esta identidad.

Robert Levon Been

Atrapados en la moda de la New Rock Revolution establecida por la prensa musical entre 2001 y 2003 con grupos como The Strokes y Kings of Leon, decidieron separarse rápidamente de los demás tanto musical como estéticamente. Su segundo álbum Take Them On, On Your Own, incluye canciones como “Generation” y “US Government” que atacan explícitamente a los Estados Unidos y en particular a George Bush.

Nick Jago

Nick Jago

Después de conflictos con su compañía discográfica, Virgin Records, fueron expulsados en 2004. A finales de su gira de verano ese mismo año, Nick Jago dejó a la banda debido a “conflictos internos”, que después fueron confirmados como problemas con la bebida y las drogas.

Después de la salida de Jago, Hayes y Been publicaron en la página oficial de la banda que las puertas estaban abiertas para que él regresara en cuanto resolviera sus problemas. Después ellos dos regresaron al estudio para grabar su tercer disco. Supuestamente varias de las canciones contenidas en Howl fueron escritas mucho antes de que incluso el concepto de BRMC fuera creado.

 Howl

Howl

En el 2005 la banda fue firmada con Echo en el Reino Unido y RCA en EUA. Su tercer producción, Howl, también fue editada ese año y obtuvo muy buenas críticas. Jago reingresó al grupo el mismo año después de que el álbum había sido grabado, a excepción del track 7 “Promise” en el que él toca.

Baby 81, su cuarto álbum de estudio, fue lanzado por Island Records el 4 de mayo de 2007 en el Reino Unido y Europa, y el 5 de mayo por RCA en los Estados Unidos, presentando como primer sencillo Weapon of Choice“, con un sonido más cercano a sus primeras producciones y colocando de nuevo a las guitarras eléctricas en primer plano -aunque sin olvidar del todo ciertas tonadas folk de su anterior álbum- fue recibido de buena manera por la crítica especializada.

Baby 81

Baby 81

En Junio del 2008, Jago dejó una vez más la formación para la gira de BRMC, siendo reemplazado por la batería de gira de The Raveonetter.

Jago declaró “Supongo que estoy despedido de nuevo y para ser honesto con vosotros respeto su decisión”: Sin embargo, Hayes y Been aclararon “Nick no va a unirse a nosotros para la próxima gira por Europa, pero no es verdad que está despedido. Sólo creemos que Nick necesita tiempo para aclararse y poder saber con certeza que es lo que quiere ahora. Su atención y toda su energía están en su propio proyecto en solitario y necesita darse cuenta”.

El 27 de Octubre de 2008 la banda anunció que lanzarían su próximo disco independientemente. El álbum sería su primer lanzamiento a través de su propia discográfica, denominada “Abstract Dragon“. El álbum, titulado, The Effects of 333 es completamente instrumental y su descarga fue posible a través de su página web el 1 de Noviembre de 2008.

Beat The Devil's Tattoo

Beat The Devil’s Tattoo

El sexto álbum de BRMC, Beat The Devil’s Tattoo fue lanzado el 8 de Marzo del 2010 en el Reino Unido y Europa y el 9 de Marzo del 2010 en Norte América.

El 19 de Agosto del 2010, tras la actuación de la banda en el Festival Pukkelpop en Bélgica, el padre de Robert, Michael Been murió en el backstage a causa de un ataque al corazón.

Hoy día siguen en vigencia, trabajan en material nuevo y dan actuaciones en diferentes lugares del mundo.

Sus primeros dos trabajos están llenos de punk rock acelerado con influencias de Iggy Pop and The Stooges, los Ramones, los Doors, los Sex Pistols y bandas británicas ochenteras como Spacemen 3 y especialmente The Jesus & Mary Chain. Sin embargo existían también canciones más lentas, psicodélicas y groovy influenciadas por grupos shoegaze como My Bloody Valentine y Ride.

BRMC

Para su tercer álbum, desarrollaron un nuevo sonido que flota entre el blues, el folk, el gospel y el rock, conservando aún su vieja melancolía. En este disco, las labores vocales son compartidas entre Been y Hayes. Posibles influencias para esta etapa del grupo incluyen a la generación de poetas beat, particularmente Allen Ginsberg. Esto es evidente en el título Howl de su disco, que es a su vez el nombre del trabajo más celebrado de Ginsberg.

El cuarto álbum, Baby 81 presenta un sonido que regresa a la pristina propuesta de la banda pero fundamentado con la potencia emocional de su inmediato antecesor.